在现代社会，聆听现场音乐演出再简单不过，购票，入场，展开听觉旅程。因为便捷，参与者往往将其看成理所当然，并根据有限的声音记忆对作品、演出、场所声效作出价值判断。

判断的话语权本身不应被质疑，但现场聆听体验过程远比我们想像来得更复杂、更无可代替、更美妙，否则录音、音乐会直播早已取代音乐会现场。

除了大家知道的心理反映机制会对聆听产生影响之外，今年我们将从音乐厅/剧场这个“心外之物”，窥探音乐“神殿”的奇妙之处。
　　从声学设计角度探讨演出场所，令人沮丧也充满惊喜。因为直至19世纪末20世纪初，多数音乐厅、剧场都是建筑设计先行，声学设计后至；但不经意的声学设计却无心插柳地造就出优秀的音乐厅。
　　阿根廷声学家玛丽亚·安德莱亚·法丽纳（María Andrea Farina）在2016年“音乐与空间声学国际论坛”（International Symposium on Music and Room Acoustics）作出题为《基于建筑类型对音乐演出场所的声学质量分析》的报告，详解四种音乐厅/剧场的声学特质。四种音乐厅/剧场分别是——鞋盒音乐厅、扇形音乐厅、竞技场/山谷梯田厅、马蹄形，它们各有不同的声学特质。

鞋盒音乐厅（Shoebox）

“鞋盒”音乐厅是19世纪因为建筑风格，而非声学特质确立的样式。这种标准延续到第一次世界大战结束，至上世纪80年代再次复兴，其声学特质在于：

1、中频残响平均维持在两秒左右；

2、每个聆听方向声响丰富饱满，聆听者往往会沉浸在声音中；

3、音乐清晰度高；

4、音乐动态极大，乐团每个细节都能得到充分展现；

5、不同区域的聆听效果相对均衡；

6、乐团不同声部的平衡优异，音乐家演奏融合度极高。

阿巴多在KKL指挥琉森节日乐团演出

KKL就是当代鞋盒音乐厅的典型，在鞋盒音乐厅中，声源直接信号与来自墙体和天顶反射信号都能有效接收。

聆听包围感特别明显，且乐团演出者本身也能充分感受到聆听者所听到的真切声效。如果在声音的早期侧向反射有所增强，声效会更加优异。

包围感是衡量演出场所声效最重要的指标之一；而根据其他声学研究，侧向反射对交响乐演出影响尤其明显，这也是有六个相对平整表面的“鞋盒厅”更能表现交响乐力度和清晰度变化的原因。

扇形音乐厅（Fan）

第一次世界大战之后，科技发展令设计者有更多改变传统音乐厅建筑风格的可能，但仅限于在有限空间提供更多座位。

于是传统鞋盒音乐厅两侧的反射墙远端被设计成渐渐打开的样式，令音乐厅俯瞰图呈扇形。扇形音乐厅的天顶通常呈等势的递进，目的是令声学能量均匀扩散。在这种音乐厅中，声乐的直接信号更容易送达，但关键的侧向反射只有当声音到达音乐厅后部的墙体才会产生。

这种声学效果，往往只有最前排和最后排的听众才能充分感受音乐的力量。同时因为缺乏侧向反射，包围感非常薄弱，声学特质也乏善可陈：

1、残响时间短。扇形厅天顶越靠后，离听众越近，听众本身对声音能量的吸收会令声量减少；
2、清晰度低，音乐细节容易流失；
3、舞台演出者融合度低，因为反射声音不会在有效时间内返回舞台，等同于音乐家无法聆听演出在厅堂中的反馈；
4、严重的回声。产生的原因同扇形音乐厅末端有弧度的设计相关。

巴比肯中心音乐厅俯瞰

然而，声学泰斗里奥·贝拉内克认为，扇形音乐厅也并非一无是处。当听众人数少于800，或者在某种情况下多于3200人，则有可能会改善。因为无任何侧向反射的聆听环境，也有可能产生另外一种好的声学效果。

竞技场/山谷梯田厅（Arena/Vineyard）

竞技场与山谷梯田厅在20世纪60年代早期出现，广东省的星海音乐厅就是采用这种声学设计的音乐厅。它为交响音乐提供了鞋盒音乐厅另一种几何变体。

它的基本特征是演出舞台位于音乐厅相对中央的位置，听众区域从低至高层层堆叠，鞋盒音乐厅的反射效果基本散失。

在山谷梯田厅中制造侧向反射非常困难，因为舞台被听众围绕且反射墙体离乐器较远。因此，补偿办法通常是将不同听众区域以块状分割，前端设置反射面。但这种音乐厅也有鞋盒音乐厅所不具备的特质：

1、能容纳更多的听众；

2、残响水平能达到交响乐音量所需的最高标准；

3、不同聆听区域的声学效果各异；

4、靠近舞台的听众区域声响清晰、平衡，而且有令听众完全沉浸的音质，这一区域的声学效果优异程度已经和鞋盒音乐厅毫无二致；

5、位于舞台后部的聆听区域，声音则完全不一样，因为乐器的平衡完全倒置，但在这些区域可以观看指挥与乐团某些不为人知的视觉细节。我们最熟悉的星海音乐厅就是山谷梯田厅

竞技场/山谷梯田厅不同聆听区域间的听感差异，未必如同某些文献中形容的一无是处。事实上，对于不同的聆听者而言，理想的聆听空间没有唯一的答案，有选择的余地和权力同等重要。而这种音乐厅可以提供的座位数量也是鞋盒厅所不及的。

马蹄形（Horse Shoe）

歌剧院设计从蒙特威尔第时代至今几乎没有改变过。不过这种最初基于试验性和充满谬误的声学设计，却鬼使神差地变成歌剧这种艺术样式最有效的建筑表现方式，并在西方音乐演出历史上被奉为圭臬，沿用至今：

1、残响水平维持在1.5秒左右，无论剧场大小均是如此。这种残响标准完全符合歌剧演出两个重要的声学目的：音乐延续和语言可听；

2、剧场有两个声学空间同时存在：舞台本身以及观众区；

3、观众区设计必须保证舞台的可视性；

4、下陷乐池与舞台歌手的声学平衡优异。在优秀的马蹄形剧场，乐池演出的平均声量通常比舞台演出的声量要低3到5分贝；

5、清晰度良好。马蹄形剧场，因外形酷似马蹄铁而得名

演出场所的分类和特质的讨论，本身就是听觉历史的变迁，从马蹄形剧场到鞋盒音乐厅，再到扇形音乐厅，直至竞技场/山谷梯田厅的历程，折射出的不仅仅是演出者和听众要求的改变，其中暗含的艺术中的政治与声音中的民主，其实也是一段段动人心魄的演义。